Сон о воскресном дне в парке аламеда

В 1946 году Диего Ривера получил новый заказ – на фреску для ресторана при отеле Del Prado в Мехико. К этому моменту художник уже стал для Мексики кем-то вроде народного героя, который представлял социалистические идеалы, и одновременно – «крестным отцом» художественного сообщества страны. В громадной фреске «Сон о воскресном дне в парке Аламеда» Ривера мастерски объединил свою личную историю с историей Мексики.

Монументальные работы Диего Риверы были уникальными для своего времени, хотя Мексику прославили во всем мире именно муралисты. Послереволюционные мексиканские власти именно эту художественную форму, сочетавшую народное искусство, политическую пропаганду и личное самовыражение, считали определяющей для своего народа.

В «Сон о воскресном дне в парке Аламеда» Ривера умудрился вместить огромное количество персонажей, имеющих важное значение для сложной и бурной мексиканской истории. Художник рассказывает эту историю в хронологическом порядке – слева направо – начиная с порабощения коренного населения Мексики и двигаясь дальше через годы испанского правления, кровавую войну за независимость, десятилетия диктатуры, революцию 1910-х годов и, наконец, приходя к стабильности середины ХХ века. Здесь можно встретить и конкистадора Эрнана Кортеса (слева), и президента-диктатора Порфирио Диаса (в центре под фигурой ангела).

Одна из самых ярких и привлекающих внимание групп в этой работе – четверка персонажей в центре: сам Ривера (он изобразил себя ребенком), его жена Фрида Кало, художник-гравер Хосе Гуадалупе Посада и Ла Катрина. «Катринами» в Мексике в начале ХХ века называли женщин из высшего общества, которые одевались по европейской моде. В 1913 году Посада, критикуя мексиканскую элиту, нарисовал Катрину в образе скелета. Ривера на своей фреске воспроизвел этот образ и украсил шею Катрины изысканным боа, которое одновременно символизирует пернатого мексиканского бога Кетцалькоатля. Ла Катрина здесь служит связующим звеном между двумя великими художниками: в одной ее руке – ладонь Диего, а второй она держит под локоть Посаду.

Фриду Кало художник расположил за своей спиной. Она покровительственно держит ладонь на его плече, а в другой ее руке – символ Инь-Ян. Здесь он становится метафорой для сложных отношений между супругами-художниками. Диего был наставником Фриды, затем они поженились, расходились и сходились снова, они были друзьями, политическими соратниками и часто рисовали друг друга. Их двойные портреты часто отражают, какими на тот момент были отношения между ними. В знаменитой картине «Фрида и Диего Ривера» Кало намеренно подчеркивает разницу в росте, чтобы показать влияние мужа на ее личность и творчество. Когда Ривера работал над «Сном о воскресном дне в парке Аламеда», Фрида была тяжело больна, и изображая их пару именно в таком виде, художник, в свою очередь, продемонстрировал свою огромную привязанность к жене и собственную беспомощность перед лицом болезни.

«Сон о воскресном дне в парке Аламеда» украшал стену в ресторане отеля на протяжении четырех десятилетий. В 1985 году Мехико серьезно пострадал от разрушительного землетрясения, но фреска удивительным образом осталась неповрежденной. Работу переместили в Музей Диего Риверы, где она находится по сей день.

Ривера был одним из великой тройки мексиканских муралистов, в которую кроме него входили Хосе Клементе Ороско и Давид Альфаро Сикейрос. Именно они создали на общественных зданиях по всей стране самые знаковые монументальные работы, которые несли важнейшие политические и социальные послания. Ривера считал фрески самой демократической формой искусства и говорил об этом так: «Поскольку искусство жизненно необходимо для человеческой жизни, оно не может принадлежать лишь небольшой группе людей. Искусство – это универсальный язык, который принадлежит всему человечеству».

Автор: Евгения Сидельникова

Источник

В начале ноября в Мексике, Никарагуа, Сальвадоре, Гватемале и Гондурасе отмечается День мёртвых. Первого ноября католики отмечают День всех святых, а второго – День всех усопших верных, в который поминают своих усопших близких. В Латинской Америке традиции католического праздника смешались с обычаями поминовения мёртвых доколумбовой эпохи – индейцев Майя и Ацтеков.

В эти дни мексиканцы создают частные алтари с фотографиями близких и сахарными черепами, посещают кладбища, рисую на лице череп или выкладывают его цветами…

Paola Ricaurte Quijano, Картина, представляющая Катрину. Википедия.

Тарелка “День смерти”, Википедия

Традиционный для этого праздника поминовения образ черепа в цветах вдохновил меня к созданию своих вариантов.

В видео я рисую в технике двойного мазка, называемой также OneStroke.

А в следующей своей работе я обратилась к городецким мотивам, попытавшись совместить в своём творчестве две далёкие народные традиции.

“Катрина в цветах”. Автор Лямшина Ирина

В древности индейцы поклонялись богине преисподней Миктлансиуатль, которая изображалась женщиной с черепом и юбкой из змей.

Изображение Миктлансиуатль в Кодексе Борджиа (мезоамериканском). Фрагмент. Шкура оленя. Ватиканская апостольская библиотека, Ватикан.

В 1913 году Хосé Гуадалу́пе Посáда создал гравюру “Калавера Катрина”, которая высмеивала мексиканскую элиту, пытающуюся походить на европейцев. Название можно перевести как череп щёголихи (франта женского пола). Художник напоминал, что богатые и модные также смертны и всех ждёт один конец.

Хосе Гуадалупе Посада, “Калавера Катрина”. 1910. Цинковая гравюра. Музей Хосе Гуадалупе Посады

Однако, в том же году художник умер в нищете – в Мексике продолжалась кровопролитная революция. Вспомнил о нём француз Жан Шарло, переехавший работать на новое революционное правительство. Образ Катрины стали воспроизводить в разных вариантах, но самым известным стала монументальная фреска Диего Риверы “Сон о воскресном вечере в парке Аламеда“.

Диего Ривера, Сон о воскресном вечере в парке Аламеда. Фреска. Изображение из Википедии.

С июля по сентябрь 1947 года Диего Ривера нарисовал её с помощью художников Rina Lazo и Pedro A. Peñaloza, а Андрес Санчес Флорес помог подготовить стены.

В центре фрески художник изобразил Катрину с боа из Пернатого Змея, известного как Кетцалькоатль.

Центральный фрагмент “Сон о воскресном вечере в парке Аламеда” Диего Риверы.

Она – под руку с Хосе Гуадалупе Посада. Другой рукой она держит за руку мальчика – так Диего Ривера изобразил себя. А между ними стоит супруга художника – Фрида Кало, известная своими автопортретами.

Картина поистине монументальна – её площадь 4,17 на 15,67 метров!

На картине художник воплотил образы истории Мексики – здесь и завоевание с колониальным периодом, вмешательство иностранцев, крестьяне, подвергающиеся насилию, реформы и Вторая Империя, мечта о справедливости простого народа и крестьянские движения. Фон картины – публичный парк Аламеда в Мехико, созданный еще в 1592 году.

В 2017 году Уолт Дисней Пикчерс выпустил компьютерный анимационный фильм “Тайна Коко”, концепция которого основана на мексиканском Дне мёртвых.

В наши дни образ Катрины вдохновляет людей к творчеству (и даже на лицах участников праздника!).

Авторы статьи – Лямшина Ирина Александровна и Лямшин Илья Николаевич

Источник

В прошлом году писала в октябре посты про Хэллоуин, в этом напишу про мексиканский День Мертвых – Dia de Los Muertos, благо он празднуется примерно в то же время.

Первый пост будет про Катринy, которая на сегодняшний день является одним из главных персонажей празднования Dia de Los Muertos и часто возглавляет шествие или даже парад, устраиваемый на праздник.

История ее появления не такая уж и давняя и довольно интересная.

Культура и праздники современных мексиканцев — это, как известно, смесь наследия культуры майя, тольтеков, и ацтеков и католицизма.

Древние ацтеки в середине лета проводили жертвоприношения в знак уважения мертвым, загробному миру и его покровительнице — богине Миктлансиуатль.

Вообще древние ацтеки придерживались верований, что для нормального поддержания жизни на Земле нужна кровь, которая эту жизнь питает. И если перестать кормить богов кровью, то жизнь прекратится и мир погибнет.

На протяжении веков общей чертой мексиканских масок была двойственность – в форме жизни и смерти.

Кроме того, у них загробная жизнь считалась чем-то вроде рая, ада у них не было, то есть, умирая, человек просто переходил жить в другой хороший мир, причем этих миров еще было и целых девять. И между мирами была связь.

“Другие миры ацтеков” (Aztec Otherworlds), деталь из росписи Р. Ангиано (1964), Национальный музей антропологии, Мехико
Миктлансиуатль проглатывает душу умершего.

Древние ацтеки верили, что в теле человека находится 3 души – “духовных центра”, каждый из которых был связан со своим местом во вселенной.

Сердце было домом для души TEYOLIA, необходимой для существования в человеческой оболочке. Это была единственная душа, которая после смерти перемещалась в загробный мир типа рая.

Мозг был домом для души TONALLI, нужной для любви и тепла как огня. Она после смерти оставалась на земле в доме родственников в виде праха. Кстати, именно поэтому ацтеки хранили дома черепа умерших родственников. И именно поэтому ритуальные места жертвоприношений были украшены черепами жертв.

Печень была домом для души IHIYOTL, нужной для отваги, страсти, чувств, а также холода, после смерти она уносилась ветром, духами и болезнями

Таким образом смерти древние ацтеки не боялись. Смерть была с одной стороны началом новой жизни, а с другой, если была пролита кровь, то она служила для поддержания рода и жизни следующих поколений.

Жизнь и смерть идут рука об руку. Смерть режет пуповину, чтобы началась новая жизнь. (Codex Laud, оригинал находится в Бодлеанской библиотеке, Оксфорд)

Когда территория современной Мексики была завоевана испанцами, католическая церковь с данными верованиями начала нещадную борьбу, уничтожив для начала почти все памятники письменности индейцев и огромное количество других культурных артефактов, запретив жертвоприношения и перенеся празднования в честь мертвых на 1 ноября – День всех Святых и 2 ноября – День Всех Душ

Но современный праздник все-равно сохранил в себе некоторые древние традиции, даже в виде “новоделов”, в частности считается, что знаковый персонаж современного праздника по имени Катрина — это как бы воплощение Миктлансиуатль.

Слева: Миктлансиуатль (владычица девятого мира мертвых Миктлана, миров у мертвых было много) встречает (проглатывает) мертвую душу. Иллюстрация Мигеля Коваррубиаса на основе Codex Fejervary-Mayer pl. 28

Справа: самое известное изображение Миктлансиуатль из Borgia Codex. Это доколумбовая ацтекская религиозная рукопись, предположительно из региона Пуэбла, Мексика. Кодекс был обнаружен в 1805 году среди личных вещей итальянского кардинала Стефано Борджиа. Сейчас он находится в Ватиканской библиотеке.

Миктлансиуатль часто изображалась в виде женщины с черепом вместо головы, она днем проглатывала звезды, а вечером выпускала их обратно. Кроме того, она встречала в своем мире души мертвых, проглатывая их.

C внешним видом нынешней Катрины у Миктлансиуатль конечно же почти ничего общего, ну кроме черепа.

Современная интерпретация, как должна выглядеть повелительница загробного мира, восходит к началу 1900-х годов, когда мексиканский литограф и принтер Хосе Гуадалупе Посада прославился своими сатирическими иллюстрациями с калаверами, в которых он высмеивал образ жизни мексиканских высших классов во время правления Порфирио Диаса. Эпоха его правления получила название порфириат и окончилась Мексиканской революцией 1910—1917 годов.

Тут еще, наверное, надо углубиться в лингвистику и объяснить, что такое литературная калавера.

Калавера в переводе означает “череп”. Но в конце 18-го и начале 19-го веков слово “калавера” получило второе значение как шуточная надгробная эпитафия. Литературная калавера использовалась для описания коротких, юмористических стихотворений, которые часто были саркастическими эпитафиями, опубликованными в газетах, в которых умерших вспоминали с юмором и шутками.

Ну а в предреволюционные годы сатирические стихи стали частью революционной борьбы и насмешек над правящим классом, так как правящему классу многие искренне желали смерти.

Одной из сатирических калавер Хосе Гуадалупе Посады стала “ La Calavera Garbancera” (1912), высмеивающая дам из высшего мексиканского общества, стремящихся во всем подражать европейцам.

И в сопровождаемой брошюре описывается дама, которая стыдится своего происхождения и национальных корней, одета в одежду, имитирующую французский стиль, а также носит много макияжа, чтобы ее кожа выглядела белой.

Именно это описание связано с первоначальным названием garbancera, которое стало прозвищем для людей местного происхождения, которые подражали европейскому стилю и отрицали свое собственное культурное наследие

A каким образом La Calavera Garbancera вдруг стала La Calavera Catrina?

А этим мы обязаны известному мексиканскому художнику Диего Ривере (мужу не менее известной Фриды Кало) и его знаменитой фреске “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central” (“Сон о воскресном вечере в парке Аламеда”), датируемой 1946 – 1947 годами.

На фреске изображены фигуры известных мексиканских деятелей, а в центре находится женская фигура в красивом платье, шляпе с перьями и черепом вместо головы. Диего Ривера назвал ее La Catrina и посвятил этот образ тому, как спокойно, свободно и с юмором мексиканцы относятся к смерти.

Таким образом у современной повелительницы мира мертвых появилось тело и наряд.

Впрочем, появились то они на картине, а потом на куклах, как вот здесь

А вот живые люди в Катрину еще очень долго не наряжались и никакие шествия, а уж тем более парады не возглавляли.

Так откуда взялись современные парады в ярких нарядах? У древних индейцев никаких парадов не было, у католиков тоже.

Или вот такие танцы?

Продолжение Dia de Los Muertos – День Мертвых. Что такое Компарса

Источник

Обычно мы посвящаем рубрику “10 неизвестных”, которая выходит на сайте m24.ru каждый понедельник, забытым и малоизвестным произведениям искусства, хранящимся в собраниях московских музеев, или неочевидным шедеврам, представленным в экспозициях временных выставок. Но в отдельных случаях мы собираем для вас гиды по виртуальному музею одного художника или направления в искусстве, чтобы рассказать о самых ярких или необычных шедеврах мировой культуры, находящихся в разных концах света.

Диего Ривера. Автопортрет для Ирены Рич. 1941

8 декабря исполнилось 130 лет со дня рождения Диего Риверы (1886–1957), самого известного мексиканского художника, мужа Фриды Кало и убежденного коммуниста. О творчестве гениального мастера – в новом материале рубрики “10 неизвестных”.

Диего Ривера. Дом над мостом. 1909

Диего Ривера – мексиканский живописец, монументалист, график, муж Фриды Кало (дважды), любовник всей Мексики, коммунист, революционер, кубист, символист, экспрессионист и один из крупнейших художников XX века. В России он так широко не представлен: все, что о нем знают, чаще всего сводится к истории его взаимоотношений с Фридой.

Самые ранние работы, которые Ривера писал в возрасте 18–25 лет, стали продолжением традиций классической европейской живописи. Пейзажи в духе Сезанна, натюрморты, напоминающий работы Матисса, – все это говорило о близком знакомстве художника с французской живописью современного ему периода.

Диего Ривера. Бретонская девочка. 1910

Ривера был знаком и с работами старых мастеров: портрет бретонской девочки и ряд других портретов близки по своему духу к работам, например, Яна Вермеера. Их легко представить в одном ряду со знаменитой “Девушкой с жемчужной сережкой” или “Молочницей”, несмотря на то, что эти картины разделяет почти 300 лет. Ривера легко подражает традициям и обогащает их современными импрессионистскими приемами. Обратите внимание, как размашисто и фактурно написано лицо или одежда девочки: Диего в совершенстве освоил достижения Моне и Мане.

Диего Ривера. Портрет Адольфа Бест Могара. 1913

Пройдет всего несколько лет, и Ривера встанет в один ряд с Пабло Пикассо, перешагнув историю импрессионизма. Период увлечения кубизмом в творчестве мексиканского художника был недолгим – он продолжался всего два или три года. Ривера быстро осваивал манеры авангардных мастеров, достигал совершенства в их интерпретации и, понимая, что исчерпал для себя средства их художественной выразительности, переходил к следующему стилю или направлению. Он всегда жадно учился новому, но Пикассо стал для него настоящим открытием.

Диего Ривера. Портрет двух женщин. 1914

Первое знакомство с кубизмом, скорее, оттолкнуло Риверу от такой живописи: ему нравились композиционные приемы, но он не принимал разрушение предмета. В более ранних работах мы видим, насколько целостными, объемными и фактурными он изображает видимые формы, кубисты же разбивали их на осколки. Ривера начинает пристально изучать произведения Пикассо и Жоржа Брака, основоположников направления, а также главные манифесты кубистической живописи, и постепенно понимает, что все, казавшееся ему когда-то хаосом, представляет собой последовательную логику. Не зря и Диего и кубисты отталкивались от открытий Сезанна: Пикассо сделал следующий шаг в анализе формы, и Ривере пришлось послушно последовать за ним.

Диего Ривера. Триумф революции. 1926

Огромная часть произведений Риверы посвящена политической тематике. Ривера и Фрида Кало были коммунистами, активно выступали не демонстрациях, встречались с русскими эмигрантами: известно, что Лев Троцкий жил в их доме. В творчестве Риверы эта тема зачастую пересекалась с национальными мотивами и религиозными мотивами и образами, сплетаясь в единые сложные сюжеты. Герои картины “Триумф революции” раздают еду, кормят детей и женщин. Ривера помещает колесо прямо за головой персонажа, что изображен слева. Конечно, это не нимб в прямом смысле слова, но ни одна деталь в картинах Риверы не бывает случайной.

Диего Ривера. Банкет Уолл-стрит. 1928

Как любой коммунист, Ривера был критиком капитализма. Он создал целую серию картин, порицающих пороки общества. Среди них – “Ночь богатых”, “Ночь бедных”, “Смерть капиталиста” и “Банкет Уолл-стрит”. Эти работы по композиции выстроены одинаково: длинный вертикальный формат, узкое, тесное пространство картины и сверху – лозунг, написанный на красной ленте, обрамляющей изображение, вписанное в арку. На “банкете” все гости пьют шампанское, сидя под огромным банковским сейфом. Через весь стол тянется символичная золотая жила (кстати, жилы и кровеносные сосуды, связывающие людей, были одним из главных мотивов в творчестве Фриды Кало), а прямо перед зрителем, по центру переднего плана, стоит настольная лампа в виде Статуи Свободы, символизирующей Америку.

Диего Ривера. Руки доктора Мура. 1940

Доктор Мур из Лос-Анджелеса, друг Риверы, подарил ему данную картину. Это не традиционный портрет: на холсте изображены руки доктора со скальпелем, перерезающим дерево. Если вглядеться, вместо дерева легко увидеть женскую фигуру, а его корни напоминают кровеносные сосуды. Внизу картины на ленте есть надпись: “Это руки доктора Клэрэнса Мура из Лос-Анджелеса, из Калифорнии. Они подрезают древо жизни так, чтобы она обновлялась и не умирала. Нарисовал Диего Ривера в 1940 году”. Благодаря этой подписи становится понятен глубокий символизм изображенного: доктор перерезает пуповину при рождении новой жизни. Такое полотно могла вполне написать Фрида – это было вполне в ее духе. Также известно, что Ривера считал себя вдохновителем и учителем Кало.

Диего Ривера. Портрет Наташи Заколковой-Гельман. 1943

Фрида была главной любовью Риверы. Они женились дважды, а их буйные южные темпераменты приводили к таким ссорам и скандалам, о которых знала вся Мексика. Тем не менее, Ривера никогда не писал ее портретов: на своих холстах он изобразил сотни натурщиц, но ее – ни разу. Может это было знаком особого уважения. В этом портрете есть интересная деталь: Диего очень любил белые каллы и часто изображал их на картинах.

Диего Ривера. Сон о воскресном дне в парке Аламеда. 1948

Картина “Сон о воскресном дне в парке Аламеда” посвящена традиционному мексиканскому празднику – Дню мертвых. Многофигурная композиция включает в себя огромное количество портретов современников, представителей мексиканской элиты в парадных платьях и бедных низов, а по сути – всех слоев мексиканского общества. Главной деталью произведения, раскрывающей всю суть происходящего, оказывается фигура в маске, напоминающей череп, – так называемой маске Катрины. Этот персонаж был придуман мексиканским художником Хосе Гуадалупе Посада в 1913 году и стал центральным героем народных гуляний.

Диего Ривера. Майская демонстрация в Москве. 1956

Диего умер в 1957 году. Он работал до последнего дня, воскрешая и воплощая свои давние замыслы. Одной из последних больших работ стала “Майская демонстрация в Москве”. Художник приезжал в столицу дважды – в 1928 и 1956 годах. В первый визит он знакомится с советскими фотографами и художниками, читает лекции в Комакадемии, участвует в планировании городов и разработке дизайна бытовых предметов, подписывает манифесты.

2 мая 1928 года он поспешно покидает СССР, увозя с собой блокноты с зарисовками и набросками. Истинные причины скорого отъезда художника остались неизвестны, но в 1929 году он вышел из мексиканской коммунистической партии и занял жесткую антисталинскую позицию, оставшись при этом категоричным антикапиталистом. На картине “Майская демонстрация” Диего Ривера точно и узнаваемо изображает угол Кремля и Исторического музея, Собор Василия Блаженного и Мавзолей Ленина. При этом сама демонстрация – скорее, впечатление от увиденного: миллионы людей сливаются в единый поток, протекающий на Красную площадь.

Источник